Frieze New York 2026: Арт-ринку показали глибину та матеріальність
На виставці Frieze New York, що проходить у The Shed, вразили роботи Кейти Морімото, Маньяку Машило та інших художників.
До полудня першого дня виставки Frieze New York ескалатори у The Shed знову стали однією з головних сцен ярмарку. Щільно заповнені колекціонерами, художниками, редакторами, знаменитостями та бездоганно вбраними відвідувачами, які швидко пересувалися між поверхами з айс-кавою, великими сумками-шоперами та телефонами в руках, ескалатори пропонували чудовий краєвид на соціальну хореографію, що розгорталася внизу. До найжвавіших галерей вишикувалися черги, адже гості проводили значну частину дня, пробираючись крізь натовпи від стенду до стенду. Після кількох тижнів незвично холодної весняної погоди в Нью-Йорку, сонце нарешті пробилося назовні рано-вранці, а біля входу до The Hudson Yards вишикувалася низка чорних ескалейдів. Розмови про значні придбання перепліталися з планами на вечерю, плітками про виставки та логістикою післявечіркових заходів, тоді як натовпи виливалися на проходи.
«Це був насичений перший день, як завжди, і цього року мистецтво дало людям привід зупинитися, а не просто циркулювати», — каже Рейчел Ламберт, арт-дилер і директорка галереї Lion and Lamb Fine Art. «Перформативна машина арт-світу була продемонстрована в повній мірі; день відкриття зібрав найбільший натовп, який я бачила за роки. Мистецтво, на його честь, запропонувало щось варте цього театру. Розмова про матеріальність справді змінилася, з більшим розмаїттям, ніж будь-коли. Найкращі роботи на виставці цього року просто мали власну вагу. Те, що з’явилося, здавалося менше трендом, а більше полем у стані еволюції».
Frieze, який цього року відзначає своє 16-те нью-йоркське видання, залишається одним із найвпливовіших та найвідвідуваніших арт-ярмарків міста, що є центром шаленої весняної арт-сезону Нью-Йорка що травня. Ярмарок значно еволюціонував з ранніх років на Randall’s Island, коли відвідувачі прибували поромом, і сама подорож стала частиною міфології. Після переїзду до The Shed після пандемії COVID, Frieze набув більш елегантного та виразно манхеттенського вигляду, де мода, мистецтво та соціальний спектакль дедалі більше розмиваються. Цього року понад 65 галерей з усього світу заповнили The Shed, відображаючи все більш міжнародний напрямок сучасного мистецтва. Особливо відчутною була присутність латиноамериканських художників, чому частково сприяло додавання членів комітету галереї Фатіми Гонсалес (Campeche) та Омари Альварадо (Instituto de Visión). Текстильні вироби, скульптури та роботи на папері з’явилися на багатьох найсильніших стендах, сигналізуючи про ширший зсув у бік матеріальності, ремесла та більш тактильних форм презентації.
Нагорі Ruinart Art Lounge швидко став одним із найжвавіших місць зустрічі на ярмарку, де гості займали простір між келихами шампанського, а розмови тривали до пізнього вечора. Цього року підготовчі етюди японського художника Тадаші Кавамати, пов’язані з його майбутніми постійними інсталяціями в історичному домі Ruinart на 4 Rue des Crayères у Реймсі, додали скульптурний та атмосферний вимір до лаунжу. На тлі постійного руху ярмарку внизу, роботи внесли тихішу, орієнтовану на природу чуттєвість в один із найбільш соціально заряджених просторів Frieze.
Серед помітних фігур на відкритті були Леонардо Ді Капріо та власниця галереї Альмін Реш, а також знаменитий арт-консультант і старший віце-президент Sotheby’s Ральф ДеЛюка, який швидко пересувався між стендами протягом денного перегляду.
Поза соціальним шаленством, цьогорічний ярмарок зрештою відчувався найсильнішим на рівні окремих стендів. Багато експонентів зосередилися на більш вузьких та цілеспрямованих презентаціях, що поєднували міжнародно визнаних художників з молодшими голосами та новими талантами. Хоча кілька мега-галерей приваблювали стабільний натовп протягом дня, деякі з найзахопливіших моментів походили від стендів, які винагороджували повільний погляд, а не миттєвий видовище.
Секція Focus, яка висвітлює галереї, що працюють 12 років або менше, через сольні виставки художників, цього року була особливо сильною і запропонувала деякі з найвиразніших презентацій ярмарку. Від великомасштабних інсталяцій до тихіших робіт, які змушували глядачів завмирати на місці, саме ці стенди виділялися найбільше на Frieze New York 2026.
Перейти до:
- Southern Guild, Booth D07
- Instituto de Visión, Booth D09
- Night Gallery, Booth D05
- Andrew Kreps Gallery, Booth A01
- Hauser & Wirth, Booth B08
- Tina Kim Gallery, Booth A9
- Almine Rech Gallery, Booth D04
- The Modern Institute, Booth A04
Southern Guild, Booth D07
Галерея Southern Guild з Кейптауна прибула на Frieze цього року з додатковим імпульсом після нещодавнього відкриття свого філіалу в Трайбека, Нью-Йорк. Заснована у 2008 році подружжям Тревін та Джуліан МакГоуен, галерея стала відомою завдяки підтримці художників з усього африканського континенту та діаспори через виставки, що поєднують експерименти з матеріалами з глибоко особистим оповіданням. Для видання Frieze 2026 Southern Guild представила один із найсильніших групових стендів ярмарку, об’єднавши п’ятьох художників, чиї практики досліджували працю, пам’ять, ритуал та представлення в живописі, скульптурі та інсталяції.
«Frieze New York відчувається як визначальний момент для того типу розмови, яку Southern Guild завжди прагнула розвивати в Нью-Йорку», — каже Тревін МакГоуен, співзасновник Southern Guild. «[Ця] презентація об’єднує художників, роботи яких несуть справжню матеріальну присутність, емоційну глибину та переконання. Бачити, як ці роботи резонують з такою вишуканою, глобально орієнтованою колекційною базою, лише через кілька тижнів після відкриття нашого простору в Трайбека, здається глибоко значущим і свідчить про те, що щось справді пускає коріння».
Серед найвизначніших робіт були картини Маньяку Машило, чия практика спирається на історичні архіви та фотографічні зображення для створення казкових сцен, що зависли десь між пам’яттю та фантазією. Великі незакріплені полотна відразу привертали увагу в стенді. Намальовані в пишних кольорах і з м’яким атмосферним світлом, фігури Машило дрейфували крізь небесні пейзажі, наповнені насиченими синіми, теплими земляними тонами та спалахами золота. Хоча картини спиралися на елементи фотореалізму, її ефірна палітра та багатошарові композиції штовхали роботи в чітко сучасний напрямок, надаючи їм майже афрофутуристичної якості.
Поруч монументальні картини Ромео Мівеканні так само переосмислювали історію західного портретного живопису через сучасний погляд. Роботи, що зображують чорних фігур, які часто нагадують самого художника, вставляли нові наративи у знайомі історичні образи, одночасно вирішуючи давні питання видимості та представлення. Їхній великий розмір та фотореалістичні поверхні надавали картинам негайної фізичної присутності в стенді, хоча емоційна та концептуальна вага робіт розгорталася повільніше з часом.
Instituto de Visión, Booth D09
Instituto de Visión представив один із найвізуальніше захопливих стендів ярмарку, перетворивши свій куточок The Shed на тихіше та атмосферніше середовище серед постійного руху ярмарку. Галерея з Боготи об’єднала сім художників, які досліджують екологію, успадковані історії та звук через скульптуру, текстиль та інсталяцію.
Серед найвизначніших робіт були ткані скульптурні роботи Кароліни Кайседо «Cangrejo sabanero» та «Rana sabanera» — формоподібні кошики, підвішені на стінах, що виглядали десь між церемоніальними об’єктами та органічним морським життям. Їхні складні ручні текстури, вигнуті силуети та земляні тони вносили м’якість, що контрастувала з різкішими архітектурними лініями навколишніх стендів.
Неподалік, художниця з Мехіко Таня Кандіані представила «Prosperidad y abundancia» — звукову скульптуру, яка тонко трансформувала атмосферу самого простору. Багаторазові звуки тихо відлунювали по всьому стенду, сповільнюючи глядачів, коли вони проходили через інсталяцію. Разом презентація відображала зростаючу присутність латиноамериканських художників на Frieze цього року, підкреслюючи ширші розмови про ремесло, матеріальність та сенсорний досвід, що розгортаються на багатьох найсильніших стендах ярмарку.
Night Gallery, Booth D05
Галерея Night Gallery з Лос-Анджелеса присвятила свій стенд сольному показу робіт художниці Хейлі Баркер, представляючи нову серію великих картин, створених після п’ятиденного ретриту з кінною терапією на американському Південному Заході.
«Реакція на роботи Хейлі на Frieze була надзвичайно позитивною», — каже Давіда Немерофф, власниця Night Gallery. «Наша стендова інсталяція цієї нової серії робіт переносить нас з The Shed до американського Південного Заходу. Це красиві картини, і захоплююче дати нью-йоркцям можливість побачити їх наживо».
Стенд відразу виділявся насиченою палітрою, сяючим пустельним світлом та кінематографічною атмосферою. Картини Баркер черпають натхнення з міфології та візуальної мови Південного Заходу, з безкрайніми небесами, конями, органічними формами та теплими бурштиновими тонами, що розгортаються на монументальних полотнах.
Центральним елементом стенду була велика 11-футова картина, що зображувала сяюче вечірнє сонце, яке пробивалося крізь гілки дерева. Намальована насиченими золотими, обпаленими помаранчевими та глибокими тінями, картина випромінювала світло в прохід, приваблюючи глядачів протягом дня. В іншому місці коні повторювалися протягом презентації, стаючи засобами для глибших роздумів про інстинкт, вразливість, інтимність та емоційний зв’язок між людською та тваринною свідомістю. Серед темпу та візуального перевантаження самого ярмарку, стенд пропонував одне з найбільш трансформаційних та емоційно заряджених середовищ Frieze.
Andrew Kreps Gallery, Booth A01
Галерея Andrew Kreps представила один із найбільш стриманих, але резонансних стендів ярмарку, що базувався на двох «Без назви» малюнках Кіта Харінга з метро 1985 року, виконаних білою крейдою на чорному папері. Створені спочатку на невикористаних рекламних панелях у системі метро Нью-Йорка, малюнки метро Харінга стали одними з найіконічніших зображень, пов’язаних з центром Нью-Йорка 1980-х років, фіксуючи зіткнення вуличної культури, нічного життя, активізму, перформансу та сучасного мистецтва, що визначали епоху.
Мало хто з художників залишається таким візуально синонімічним з самим Нью-Йорком, як Харінг, чиї миттєво впізнавані графічні фігури перетворювали громадський простір на доступний майданчик для мистецтва. Виходячи зі сцени клубів Іст-Віллідж та центру міста, разом із такими діячами, як Жан-Мішель Баскія, Мадонна та Кенні Шарф, Харінг розмивав межі між мистецтвом, модою, музикою та активізмом, створюючи візуальну мову, яка продовжує резонувати крізь покоління.
Встановлені з вражаючою стриманістю всередині стенду, малюнки зберігали безпосередність та сирість, що прорізали полірованість ярмарку. Крейдяні лінії рухалися зі швидкістю та ритмом чогось, створеного під час подорожі, несучи неспокійну енергію системи метро, де Харінг вперше їх створив. На тлі глибокого чорного паперу яскраві білі фігури майже пульсували під освітленням ярмарку, їхні танцюючі форми та графічні обриси здавалися грайливими, нагальними та несподівано ніжними одночасно.
Hauser & Wirth, Booth B08
Hauser & Wirth приваблювала стабільний натовп протягом дня відкриття новими фотографіями Сінді Шерман, чий вплив на сучасну фотографію, модні образи та історію феміністичного мистецтва майже неможливо перебільшити. Протягом понад чотирьох десятиліть Шерман фундаментально перетворила автопортрет на щось психологічно заряджене, театральне, тривожне та нескінченно мінливе. Її новаторська серія «Без назви кінокадри» кінця 1970-х років допомогла переосмислити можливості самої фотографії, вплинувши на покоління художників, кінематографістів, дизайнерів та творців образів у наступні десятиліття.
Новіші роботи, представлені на Frieze, продовжували те ж дослідження, виводячи образи Шерман у все більш перебільшену та моторошну територію. На фотографіях Шерман повністю зникала за допомогою складних перук, протезів, театрального макіяжу та ретельно сконструйованих образів, що коливалися між гламуром та гротескною штучністю.
На одному особливо незабутньому зображенні Шерман сидить на стільці, одягнена в паперову корону та важкий сценічний макіяж, що перетворив її на щось схоже на ляльку-примару. Зафарбовані брови, бездоганно білий одяг та її відсторонений вираз посилили напругу між абсурдністю, елегантністю, перформансом та розпадом, що давно визначає її практику. Розміщені на видному місці на стенді, фотографії швидко стали одними з найфотографованіших та найобговорюваніших презентацій ярмарку.
Tina Kim Gallery, Booth A9
Tina Kim Gallery представила один із найелегантніших стендів ярмарку, об’єднавши понад 10 художників, чиї практики розмивали межі між скульптурою, текстилем, живописом та інсталяцією.
Серед найсильніших робіт були вироби південнокорейської художниці Сукі Сокйон Кан, яка трагічно померла від раку минулого року у віці 47 років. Кан побудувала міждисциплінарну практику, яка вільно рухалася через медіа, а роботи, представлені на Frieze, зависли десь між живописом і скульптурою, створюючи відчутну напругу при зустрічі з ними наживо. Вигнуті металеві стрижні, підвішені тканини та скульптурні форми взаємодіяли на стенді, тоді як тонкі посилання на сітки та корейські музичні структури відображали глибоко дослідницький характер її роботи. Незважаючи на формальну строгість робіт, інсталяція зберігала м’якість та емоційну силу, що повільно притягувала глядачів.
Ще одним яскравим прикладом стала робота піонерки текстильного мистецтва Лі ШінДжа, чия творчість допомогла переосмислити текстильне мистецтво в повоєнній Південній Кореї, просуваючи медіум, який часто відкидався як ремесло, у більш суворий простір мистецтва. Її монументальний гобелен «Image of Light» 1986 року об’єднав багато з цих ідей в одній роботі. Висотою майже вісім футів, багато текстурована композиція поєднувала живописні жести з варіаціями помаранчевого, вершково-жовтого, обпаленої сієни, фіолетового та глибокого пурпурового кольорів, що рухалися по поверхні шаруватими смугами та органічними формами. У віці 96 років роботи ШінДжа все ще відчуваються надзвичайно сучасними, а презентація на Frieze підкреслила ширше повернення до текстильних практик, побачених на багатьох найкращих стендах ярмарку цього року.
Almine Rech Gallery, Booth D04
Мега-галерея з Парижа, заснована Альмін Реш, дружиною Бернарда Руїс-Пікассо, онука Пабло Пікассо, представила один із найбільш візуально відполірованих стендів ярмарку, об’єднавши 18 художників під загальною темою дослідження світла, тіні та сприйняття. Стенд плавно переходив між поколіннями та естетиками, поєднуючи роботи відомих імен, таких як Ларрі Пунс і Джефф Кунс, з молодими сучасними художниками, чиї практики просували фігуративність та реалізм у нових напрямках.
Одним із незаперечних винятків стала робота японського живописця Кейти Морімото, чия монументальна картина перетворила штучне світло на щось глибоко кінематографічне. Відомий своїми фотореалістичними зображеннями освітленого міського нічного життя, Морімото зафіксував тіньові вітрини, сяючі вуличні ліхтарі та фігури, що проходять повз, з майже кінематографічною інтенсивністю.
Полотно завдовжки майже 11 футів сяяло через прохід, приваблюючи глядачів протягом дня насиченими електричними синіми кольорами та блискучими спалахами світла, що прорізали темну поверхню картини. Серед візуального перевантаження ярмарку, робота здавалася несподівано інтимною, поєднуючи самотність, гламур та міську ізоляцію одночасно.
The Modern Institute, Booth A04
Галерея The Modern Institute з Глазго представила на Frieze цього року тихо вишукану групову презентацію, хоча один із найвражаючих моментів стенду припав на інсталяцію шотландського художника Мартіна Бойса. Відомий своїм перетворенням архітектурних та індустріальних форм на потужні скульптурні середовища, Бойс представив роботи, що здавалися одночасно примарними та знайомими.
У центрі інсталяції була ефірна мобільна робота Бойса «By the Water» 2013 року — делікатна композиція металевих форм, що здавалася невагомою. Робота нагадувала гілки верби, що колишуться на вітрі, а також спиралася на геометрію модерністського дизайну. Незважаючи на індустріальну матеріальність виробу, інсталяція зберігала вражаючу м’якість і легкість, викликаючи ширші ідеї про крихкість, час, пам’ять та напругу між природним і створеним світом.
Поруч, «The View» Бойса продовжила його давню захопленість масками, приховуванням та кодованою мовою через кутові тексти, що походять від модерністських скульптурних форм, створених спочатку для паризької виставки декоративного мистецтва 1925 року. Разом роботи внесли тихіший регістр на ярмарок, поєднуючи меланхолію та елегантність майже з мрійливим відчуттям підвішеності.
Продовжуючи рух натовпів через The Shed до пізнього вечора, Frieze New York ще раз довів, чому він залишається однією з визначальних подій культурного календаря міста. Під хореографією безперервної соціальної циркуляції, багато з найсильніших презентацій ярмарку несли несподівану емоційну глибину та стриманість. Те, що з’явилося протягом дня відкриття, здавалося менше як один тренд, а більше як ширший зсув, що вже формується в усьому сучасному арт-світі, який ґрунтується на матеріальній присутності, емоційній проникливості та тихій силі тривалого споглядання.
Frieze New York 2026 триває до 18 травня в The Shed, Hudson Yards.